Die besten Filme des Jahres 2023 | Eitelkeitsfeuer

Von Richard Lawson

Die besten Filme des Jahres 2023 reichen von intensiven Dramen über vermeintliche Studio-Blockbuster bis hin zu perfektionierten Slice-of-Life-Studien. Bei einigen handelt es sich um aufsehenerregende Prestigeproduktionen mit der Unterstützung einer großen Preisverleihungskampagne; Einige sind skurrile Leidenschaftsprojekte, so eigenwillig wie die Filmemacher, die sie geschaffen haben. (In ein paar spannenden Fällen sind sie beides gleichzeitig.) Existenzielles Unbehagen, literarischer Nervenkitzel, Verwüstung und das Erhabene: Sie alle sind hier in der diesjährigen Best-of-2023-Liste, von wunderbar bis noch besser eingestuft. Viel Spaß beim Anschauen.

In Tina Satters Adaption des Theaterstücks Is This a Room, einem erschütternden Kammerthriller, der das Transkript der ersten Befragung und Verhaftung des NSA-Whistleblowers Reality Winner inszeniert, wird ein kühnes Konzept mit präziser technischer Leitung umgesetzt. Sydney Sweeney lässt die Theatralik von Euphoria hinter sich und gibt eine maßvolle, streng kontrollierte Darbietung, in der sie geschickt die beginnende Erkenntnis einer jungen Frau darstellt, dass sich ihr Leben schrecklich und für immer verändern wird. Satter fügt ein paar filmische Schnörkel hinzu, bleibt aber ansonsten streng und konzentriert im Film und beobachtet feierlich die Konsequenzen, wenn man den Mächtigen die Wahrheit sagt. Trotz der strengen Präsentation und des kleinen Maßstabs wirkt „Reality“ dennoch riesig und lebendig, ein Licht, das ein dunkles und verworrenes Netz aus Lügen und Fehlinformationen durchbricht.

Wenn wir unbedingt Superheldenfilme haben müssen, mögen sie alle so lebendig und ansprechend sein wie Ángel Manuel Sotos ausgelassenes Abenteuer. „Blue Beetle“ ist scharfsinnig in seiner politischen Argumentation – er stellt die Gentrifizierung als eine Fortsetzung des langen und heimtückischen Projekts des Kolonialismus dar –, ist aber auch reich an albernem Humor und echten Gefühlen. Xolo Maridueña ist eine kluge und einnehmende Hauptrolle, während Adriana Barraza Szenen als freundliche Großmutter mit verborgenem Mut stiehlt. Blue Beetle ist ein seltener Superheldenfilm, der Action und Botschaft erfolgreich miteinander verbindet. Natürlich war er ein schlecht vermarkteter Kassenschlager. Offensichtlich erkennen einige Studios eine gute Sache nicht, wenn sie sie haben.

Wir haben Aspekte des Films von Dionne Edwards schon einmal gesehen: eine Ehe, die unter der Last unausgesprochener Sehnsüchte leidet, unmögliche Träume, nach denen man strebt und die nicht verwirklicht werden. Aber „Pretty Red Dress“ vereint das, was man Klischee nennen könnte, zu etwas völlig Originellem. Natey Jones und der ehemalige X-Factor-Star Alexandra Burke stellen ein Ehepaar dar – die eine ist gerade aus dem Gefängnis entlassen, die andere verfolgt ihre Schauspielambitionen im West End –, während sie einen entscheidenden Moment in ihrer Beziehung meistern. „Pretty Red Dress“ ist eine nachdenkliche Studie über Männlichkeit und Sexualität und vor allem ein zutiefst menschlicher Film, der seine Charaktere mit allen Widersprüchen und Nuancen echter Menschen in der realen Welt sehnen und wünschen lässt. Edwards Film, ihr Debütfilm, ist einer der verborgenen Schätze des Jahres und wartet darauf, in all seinen komplizierten Facetten entdeckt zu werden.

Benjamin Carons verdrehtes Schwindelspiel ist ein Film, wie man ihn heutzutage nicht mehr oft genug dreht, und ist ein literarisches Vergnügen. Die Besetzung – Justice Smith, Briana Middleton, Sebastian Stan und eine sagenhaft zwielichtige Julianne Moore – schafft eine perfekte Balance zwischen Sexy und Unheimlichem und schafft ein cleveres Drehbuch mit Elan. Caron, der in Großbritannien vor allem als Fernsehregisseur bekannt ist, hat ein ausgeprägtes Gespür für Rhythmus und ein Auge für Komposition. „Sharper“ ist ausgefeilt und raffiniert, vergisst aber nie, dass es sich im Grunde genommen um einen kleinen B-Movie handelt. Was großartig ist! Möge es kompaktere, raffiniertere Filme wie diesen geben, solche, die eine gute Geschichte erzählen und nicht an der Ästhetik sparen (Sharper wurde auf Film gedreht), wie es bei so vielen Streamer-Originalfilmen der Fall ist. Hoffentlich werden wir eines Tages die Zeit erreichen, in der Filme wie „Sharper“ wieder in die Kinos kommen.

„Memory“ ist ein Film über sexuellen Missbrauch und früh einsetzende Demenz und hat alle Merkmale eines übertriebenen Melodrams. Aber Autor und Regisseur Michel Franco wählt Subtilität statt Exzess und nähert sich zwei Charakteren an, die von Jessica Chastain und Peter Sarsgaard mit unaufdringlicher Anmut gespielt werden, während sie mit den Grenzen und dem Bedauern ihres Lebens kämpfen. Memory spielt in winterlichen kleinen Ecken von Brooklyn und hat ein ausgeprägtes Gespür für den Ort – und ein Gespür für den wahren Zweck, indem es die Abnutzungserscheinungen des Erwachsenseins mit nüchternem Mitgefühl untersucht.

Der große japanische Regisseur Hirokazu Kore-eda bietet eine weitere ergreifende Einschätzung der holprigeren Dimensionen des Lebens. Dieses Mal liegt der Geschichte etwas Geheimnisvolles inne, ein Geheimnis, das durch faszinierende Wechsel der Erzählperspektive aufgedeckt wird. Was sich schließlich herausstellt, ist eine enge Freundschaft und vielleicht noch mehr zwischen zwei Teenagern, die beide mit Verlust zurechtkommen. „Monster“ ist gleichzeitig zart und voller Gefühle und hegt eine tiefe Zuneigung zu all seinen Charakteren, selbst zu denen, die sich voreilig oder nachlässig verhalten. Das heißt, sie alle – und wir alle.

Nach Jahrzehnten seiner sagenumwobenen Karriere findet Regisseur Wim Wenders auf den Straßen Tokios neuen Schwung, während er von einem einsamen (aber nicht gerade einsamen) Toilettenreiniger (gespielt von Koji Yakusho) bei seiner Arbeit begleitet wird. Perfect Days wird als eine Reihe miteinander verbundener Kurzgeschichten erzählt und findet Poesie im Banalen, wenn auch nicht in der herablassenden Art so vieler anderer sogenannter Hommagen an den alltäglichen Arbeiter. Unter der bescheidenen Handlung von Wenders‘ Film liegt ein existentielles Gemurmel, das den Zuschauer zu einer aufrichtigen Wertschätzung der kleinen Momente anregt, die jedes Leben auf der Welt ausmachen. Die Schlussminuten von „Perfect Days“ gehören zu den bewegendsten des Jahres, wenn ein Mann wortlos Bilanz zieht über alles, was er erlebt hat, und sich auf mehr konzentriert.

Kaouther Ben Hanias Film ist eine betörende Mischung aus Dokumentarfilm und bewusster Kunstfertigkeit. Um die erschütternde Geschichte einer Tunesierin, Olfa Hamrouni, zu erzählen, die zwei Töchter verlor, als sie sich dem Islamischen Staat anschloss, hat Ben Hania Schauspieler engagiert, die einige der Ereignisse nachspielen, die zu Hamrounis Trennung von ihren Kindern führten. Wir sehen auch, wie die engagierten Schauspieler mit der echten Familie interagieren und alle einen lebhaften und manchmal unangenehmen Diskurs über Elternschaft und Politik führen. Four Daughters ist ein faszinierender Überblick über Tunesien nach dem Arabischen Frühling und ein forschender Kommentar zu Erinnerung und Geschichtenerzählen und nutzt seine Meta-Prämisse in großem Umfang.

Emma Stone schwankt und taumelt in Yorgos Lanthimos‘ seltsamem und seltsam bewegendem Bildungsroman der Größe entgegen. Stone spielt eine Frankensteinsche Schöpfung (das Gehirn eines Babys, das in den Schädel eines erwachsenen Körpers gesteckt wird), die sich im Laufe ihres Heranwachsens zu einer gebildeten und lüsternen Frau von Welt entwickelt. Lanthimos lässt sich von den Lookbooks von Terry Gilliam und Tim Burton inspirieren, um eine düstere Fantasy-Version Kontinentaleuropas zu erschaffen, durch die Stone fröhlich ihren Weg bahnt und dabei die vielleicht beste Leistung ihrer Karriere abliefert. Düster, aber niemals düster, klug, aber nicht selbstgefällig: Poor Things ist ein nervöses Experiment, das seltsam schöne Ergebnisse liefert.

Der rumänische Provokateur Radu Jude nimmt uns mit auf eine weitläufige, lustige und gruselig deprimierende Tour durch Bukarest auf dem Beifahrersitz eines gebrauchten Autos, das von der fesselnden Schauspielerin Ilinca Manolache gelenkt wird. Sie spielt eine Produktionsassistentin, die potenzielle Probanden für ein Schulungsvideo zum Thema Sicherheit am Arbeitsplatz interviewt – jeder, mit dem sie spricht, wurde bei der Arbeit irgendwie verletzt und steckt jetzt in einer Hölle der juristischen Bürokratie fest. Jude nimmt die marode soziale Infrastruktur seines Landes ins Visier, die Plünderungsgier ausländischer Unternehmen, die von billigen Arbeitskräften profitieren, und eine medienkranke Öffentlichkeit, die gegenüber den schrecklichen Dingen, die jeden Tag über unsere Bildschirme flimmern, abgestumpft ist. Der beißende und pointierte Roman „Erwarten Sie nicht zu viel vom Ende der Welt“ bietet über die grimmige Katharsis des Galgenhumors hinaus keinen großen Trost.

Im erstaunlichen zweiten Spielfilm von Lila Avilés trifft sich eine Familie zu einer Geburtstagsfeier, die tatsächlich ein endgültiger Abschied von einem geliebten Sohn, Bruder und Vater sein könnte. Avilés lässt ihre Kamera durch ein Mittelklassehaus in Mexiko-Stadt huschen und wandern, während verschiedene Verwandte ihren Tag verbringen und sich mit etwas anderem beschäftigen als mit der Sorge, dass der Mann im Nebenzimmer langsam sterben könnte. „Tótem“ ist ein Aufruhr aus Lärm und Bewegung, aber nichts davon übertönt die Traurigkeit im Zentrum des Films. Avilés steuert auf einen Höhepunkt zu, der ebenso überwältigend wie verheerend ist, ein Moment familiärer Verbundenheit, der sowohl tiefgreifend als auch furchtbar flüchtig ist.

Wes Andersons neuestes Werk ist sowohl eine Rückkehr zur Form als auch eine durchdachte Erweiterung der humanistischen Impulse des Regisseurs. Asteroid City ist die Geschichte unterschiedlicher Menschen (gespielt von einer Star-Schauspieler-Reihe), die auf dem Höhepunkt des Atomzeitalters in einer winzigen Wüstenstadt gefangen sind und sich mit Themen wie Trauer und Einsamkeit, Romantik und existenziellen Wundern beschäftigen. In seiner hübschen Diorama-Box ist ein bezauberndes Bild des Lebens in fast seiner Gesamtheit enthalten, mit all der Fremdartigkeit, Süße und Arrhythmie des Seins. Darüber hinaus wirken Andersons strukturelle Schnörkel – „Asteroid City ist ein Theaterstück innerhalb einer Fernsehsendung innerhalb eines Films“ – nicht so verfremdend wie in den jüngsten Versuchen der Vergangenheit. Stattdessen findet Asteroid City in seinen Schichten die wahre Bedeutung und bietet in schwierigen, verwirrenden Zeiten so etwas wie einen tröstenden Schulterklopfer – oder eine sanfte Umarmung.

Kelly Reichardt bietet mit diesem wehmütigen, leicht komödiantischen Blick auf die Entstehung der Dinge ihren bisher vielleicht lebhaftesten und wärmsten Film. Die häufige Mitarbeiterin des Regisseurs, Michelle Williams, seufzt und schnauft als Bildhauerin, die in Portland, Oregon, lebt, ihren Lebensunterhalt an einer örtlichen Kunsthochschule verdient und ihre Freizeit damit verbringt, sich um ihre kreative Arbeit zu kümmern. Reichardt neckt liebevoll die Anmaßungen und Neurosen eines Milieus, das sie gut kennt, und sagt gleichzeitig (auf ruhige Weise) etwas ziemlich Großartiges darüber, welche Ziele die Kunst erreichen soll. „Showing Up“ ist beschwingt und dennoch scharfsinnig und ein Muss für jeden, der seinen eigenen Leidenschaften nachgeht.

Auf den ersten Blick wirkt die witzige, wunderschön gespielte Komödie der Autorin und Regisseurin Nicole Holofcener wie ein bloßer Spaziergang durch das wohlhabende Manhattan. Aber wie immer hat Holofcener tiefere Dinge im Kopf. „You Hurt My Feelings“ ist eine scharfsinnige und oft ergreifende Studie über die Mechanismen der Liebe und wie ihr Eifer, sie zu unterstützen und zu ermutigen, manchmal genau das Gegenteil bewirken kann. Es ist ein kluger und nachdenklicher Film über Notlügen und wohlmeinende Nachsicht, klug in seiner detaillierten Beobachtung menschlichen Verhaltens. Und was für ein menschlicher Holofcener die Hauptrolle gespielt hat: Julia Louis-Dreyfus (die auch in „Enough Said“ von Holofcener hervorragend ist) gibt einen strahlenden Starauftritt, der mit der pfeffrigen Komödie des Films genauso geschickt umgeht wie mit dem trüben Drama des Films. Es ist eine äußerst charismatische Leistung, die in einer gerechten Welt am Ende des Jahres von preisverleihenden Gremien gewürdigt würde.

Auch wenn in Justine Triets fesselndem Film sicherlich eine gewisse Spannung steckt, ist er doch eher ein Drama als ein Thriller, eine Untersuchung des Unerkennbaren. Wie gut kennen wir die Menschen, die uns am nächsten stehen, wirklich? Wie gut kennen wir wirklich unser eigenes Herz, unsere eigenen Fähigkeiten zur Liebe und zum Zorn? Sandra Hüller verankert Triets Film mit grimmiger Intelligenz und verrät niemals das moralische Urteil ihrer Figur – einer Frau, die beschuldigt wird, ihren Mann bei einem möglicherweise schrecklichen Unfall ermordet zu haben. Hüllers ist einer der großartigsten Auftritte des Jahres, ebenso zwielichtig und facettenreich wie Triets sich ständig verändernder Film. „Anatomy of a Fall“ ist entweder ein Krimi oder die traurige Geschichte eines Missgeschicks, ein Blick auf eine Ehe, die am schlimmsten Bruchpunkt ist, oder auf eine grausame Unterbrechung mitten im Satz. So oder so ist „Anatomy of a Fall“ umwerfende, provokante Unterhaltung, ein würdiger Gewinner der Cannes Palme d'Or und aller anderen Auszeichnungen, die er in den kommenden Monaten erhält.

„Earth Mama“, ein vielversprechendes Spielfilmdebüt der Filmemacherin Savanah Leaf, ist ein fundierter Blick auf Mutterschaft, Armut und Adoption. Tia Nomore, die ebenfalls ihr Filmdebüt gibt, spielt einfühlsam Gia, eine Frau an einem wichtigen Scheideweg. Sie befindet sich in der Genesungsphase und arbeitet daran, ihr Leben in Ordnung zu bringen, um ihre Kinder aus der Pflege zu befreien und Platz für ein neues Baby zu schaffen, das sie jeden Tag zur Welt bringen wird. Während sie Schwierigkeiten hat, Arbeit zu finden und ihre Wohnung zu behalten, muss sich Gia mit der Möglichkeit auseinandersetzen, dass es ihrem Baby vielleicht bei einer anderen Familie besser gehen würde. Leaf hat keinen düsteren, ausbeuterischen Film gedreht, der Gias Umstände zu etwas Neuem macht; Stattdessen wird „Earth Mama“ sorgfältig beobachtet und in einem glaubwürdigen Timbre gepitcht. Leaf hat einen einfühlsamen Film über Wahlmöglichkeiten gedreht, den Gia immer noch besitzt, obwohl ihr so ​​viel anderes verwehrt bleibt.

Ira Sachs‘ betörende Charakterstudie ist ein romantisches Drama ohne viel Romantik und untersucht den kopflosen Mann im Zentrum eines zwischenmenschlichen Sturms. Der große Franz Rogowski – protzig, bemitleidenswert, voller ruheloser Energie – spielt einen Filmregisseur, Tomas, der die relative Zufriedenheit seiner Ehe (mit Martin, gespielt von Ben Whishaw) stört, indem er eine Affäre mit der Pariser Schullehrerin Agathe eingeht (Adèle Exarchopoulos). In diesem intelligenten, witzigen und stimmungsvollen Film brechen Beziehungen, heilen und brechen erneut. Voller Sex und Gerede (die Grundlage so vieler Verbindungen) schweift Passages auf seine hochherzige Art auf ein geheimnisvoll ergreifendes Ende zu: das Bild eines Mannes, der irgendwie in unaufhörlicher Bewegung steckt.

Der vierte Spielfilm des britischen Künstlers Jonathan Glazer ist im wahrsten Sinne des Wortes ein schrecklicher Film und beschäftigt sich mit dem Mann, der Auschwitz leitet, und seiner Familie, einem glücklichen Clan von Deutschen, die sich über üppige Gärten, ein gut ausgestattetes Zuhause und sogar ein Schwimmbad freuen. Der überwältigende Horror, der sich direkt hinter den Gartenmauern abspielt, ist nie zu sehen – aber spürbar zu spüren, vor allem durch das erschreckend wirkungsvolle Sounddesign. Glazers Film ist ein historisches Stück, aber er hat auch eine schreckliche Relevanz für die Gegenwart; Der Regisseur läutet so etwas wie eine Alarmglocke und hofft, die Menschen aus ihrer Selbstzufriedenheit herauszurütteln, aus der Annahme, dass das Böse sich aufdringlich ankündigen wird, anstatt heimtückisch einzudringen und jedes scheinbar normale Ding, das es berührt, zu verderben. Die Zone of Interest ist ein Wunder der Form, aber Glazer legt nicht Wert auf Stil über Substanz. Sein Film ist in seinen Themen klar und eindringlich, er besteht darauf, dass der Lärm, den wir in der Ferne hören, nicht so weit entfernt ist, wie wir gerne glauben würden.

Es ist lange her, seit Regisseur Alexander Payne das letzte Mal ein kleines Stückchen Leben serviert hat. The Holdovers ist eine willkommene Rückkehr zu den Formen von Nebraska und Sideways, herb und trüb zugleich. Paul Giamatti, der sein attraktivstes Werk seit „Private Life“ spielt, spielt einen bedauernswerten, betrunkenen Internatslehrer, der Anfang der 1970er Jahre in den Winterferien auf einen zurückgebliebenen Schüler aufpassen soll. Der Newcomer Dominic Sessa ist als dieser unruhige Student eine schlaksige, liebenswerte Offenbarung, während Da'Vine Joy Randolph unschätzbare Unterstützung als Cafeteria-Mitarbeiterin bietet, die die Aufgabe hat, diese unordentlichen Männer zu ernähren und sich gleichzeitig um ihr eigenes tiefes Leid zu kümmern. Paynes Weltbild wurde mit zunehmendem Alter aufgeweicht; Dort, wo er vor etwa 20 Jahren hingegangen sein könnte, wendet er sich stattdessen der zerrissenen Empathie zu. Er findet die Anmut in der Shambolik, die einen müden, unterdrückten älteren Mann darstellt, der sich von der elastischen Widerwärtigkeit der Jugend aus der Stasis locken lässt. „The Holdovers“ ist ein sehr guter Weihnachtsfilm und ein großartiger Neujahrsfilm: ein Blick auf Vorsätze, die dieses Mal wirklich Bestand haben könnten.

Als einer der beeindruckendsten Debütfilme seit Jahren eroberte Celine Songs Jahrzehnte und Kontinente umspannendes Liebesdrama Sundance im Januar im Sturm. Obwohl „Sturm“ etwas Aggressives impliziert, ist „Past Lives“ in all seinen delikaten emotionalen Einsichten sicherlich nicht der Fall. Stattdessen ist es ein trauriger, ohnmächtiger, anmutiger Blick auf die Reisen der Einwanderung und des Alterns und erzählt eine Geschichte über zwei alte Freunde und vielleicht Liebhaber. Der Film handelt von Nora (als Erwachsene gespielt von Greta Lee) und Hae Sung (als Erwachsener gespielt von Teo Yoo), frühwüchsigen Freunden in Seoul, die scheinbar für immer getrennt sind, als Noras Familie nach Kanada zieht. „Past Lives“ zeichnet ihr zunächst zaghaftes und dann aufrichtiges Wiedersehen Jahre später nach, während sie die Realitäten ihres erwachsenen Selbst mit ihrer träumerisch erinnerten Jugend in Einklang bringen. Song hüllt die metaphysischen Fragen ihres Films in wunderschönes, sommerliches Licht und kreiert ein beschwingtes Porträt des Lebens in seinen unendlichen Dimensionen und Schiebetürmöglichkeiten. „Past Lives“ ist ein Filmjuwel, das man gesehen haben muss und das seinem jungen Schöpfer viel Gutes verheißt.

Aus einem Blickwinkel ist „Mai Dezember“ eine düstere Komödie über sexuelle Sitten und die Neugier der Boulevardpresse auf die Geschäfte anderer. Andererseits ist der Film von Todd Haynes ein bittertrauriges Porträt eines Lebens, das durch Kindesmissbrauch brutal beeinträchtigt wurde. Und noch etwas: Der Film handelt von der Lüge des Filmemachens, seiner notwendigen Verdrehung der Wahrheit und seiner Tendenz, so zu tun, als ob er etwas anderes täte. Es gibt noch viel mehr Möglichkeiten, sich „May December“ (geistreich geschrieben von Samy Burch) zu nähern, einem fesselnden und formverändernden Film, schlau und raffiniert. Natalie Portman, die eine Schauspielerin spielt, die nach einer Rolle sucht, von der sie hofft, dass sie sie in die Prestige-Ränge katapultiert, wirkt Wunder und macht all unseren räuberischen Hunger nach schmutzigen Details deutlich, unseren Eifer, einen moralischen Rahmen festzulegen, der unseren Anstand gegenüber dem Fehlen anderer definiert . Julianne Moore spielt wild eine Frau, die einmal etwas Ungeheuerliches getan hat, aber immer noch ein Monster sein kann oder auch nicht, während Charles Melton dem Film sein schlagendes, gebrochenes Herz verleiht. Schüchtern und ein wenig unheimlich – und doch auch freundlich, immer noch im Einklang mit der Vielzahl von Ambivalenzen, die in jeder Figur stecken – „May December“ könnte wahrscheinlich endlos ausgepackt werden, so vielfältig sind seine Töne, Texturen und durchdringenden Einsichten. Was ein böses kleines Stück Camp hätte sein können, ist stattdessen etwas Kluges und Berauschendes, ein komplexer Film, dessen Geist mit rasender Geschwindigkeit surrt.